The work of directors: Spike Jonze

 

La versatilidad con la que Spike Jonze se dirige y dirige desde sus inicios empezada la década de 1990, le ha permitido trabajar con artistas que van desde Sonic Youth hasta Wax, entrando en géneros que distan tanto de sí que parece difícil encontrar una característica de sus producciones audiovisuales.  

Si se le insistiera en categorizar quizás solo se podría hacer en tanto que los escenarios que utiliza son del todo comunes, para el ámbito estadounidense, mostrando situaciones que pareciera graba un amigo con su cámara.

Y desde esta libertad de movimientos en tanto el lenguaje cinematográfico, tenemos de buen ejemplo a lo que logra con Dinosaur Jr.  Donde en un inicio la toma handy de la que se vale, es seguida de diversas estrategias de acompañamiento, que van desde paneos en las alturas de la noventera ciudad de NY hasta el uso de un green screen siguiendo la pelota de los golfistas.

En cada video y en cada película tiene la capacidad de retratar al ser humano; a veces como un ser débil, temeroso de enfrentar sus miedos.

Difícil trabajo pero perfectamente retratado ayudado generalmente por el fotógrafo David LaChapelle. 

Las adaptaciones a la pantalla grande de  autores como Charlie Kaufman (Being John Malcovich), Susan Orlean y Maurice Sendak (Where the wild things are), no pudieron caer en mejores   manos.

Dirigido siempre a adolescentes indi, sus más recientes producciones en filmografía es "Where the Wild Things Are" y en tanto videoclip el trabajo que realizó con Arcade Fire para su último álbum “The suburbs”.

The work of directors: Chris Cunningham

 

Si algo caracteriza las producciones de Chris Cunningham es al idea de la tecnología llevada a todos sus videoclips, y para muestra que mejro que el  “Al lis full of love” donde trabajando con Björk puede verse en escena a dos androides amándose.

Aquí podemos apreciar como el tratado en capaz que hace lo es todo; gracias al makingo of que este DVD ofrece del mismo video, se puede entender a fonos la importancia que ha cobrado en nuestros días ya no sólo la puesta en escena (donde el trabajo de la creación de simulaciones de androides recuerda al cyberpunk), sino a la gama de posibilidades que se pueden contener en la utilización de software tanto de edición como de creación.

En “Al lis full of love” a premisa de la doble grabación: una hacia Björk como personaje y la otra hacia el androide que la representará, hacen, que gracias a un montaje de videos, uno y el otro puedan fundirse.

Trabajando desde 1995 con figuras de la música de la talla de Madonna, Portisheah y Aplex Twin, le tratado digital que contiene siempre, es lo que podría categorizarse como su huella característica, sobre todo el  juego que hace con la modificación y el montaje de lso mismos que como en el video de Björk, también puede identificarse en elque realiza un año después con Aphex Twin, "Windowlicker".

Además de los escenarios teologizados podemos encontrar imágenes sumamente obscuras en por ejemplo le trabajo con Portishead con “Only you” y unas distorsionadas en "Come to Daddy”, donde la estética que para algunos podría parecer dirigida a una película de terror bien puede ser considerada como otro símbolo de sus creaciones.

En cuanto a sus demás trabajos como en el mundo de la publicidad, seguimos viendo una primacía del cuerpo, pero del cuerpo que puede ser cambiado, donde la velocidad de las imágenes y la penumbra dirigen al espectador a la duda.

Pero su trabajo también está lleno de contrastes, tanto de luz, como de sonido y movimiento, por ejemplo el titulado “flex”, donde tanto hay escenas con una obscuridad absoluta donde de pronto resalta un rayo de luz, como un ataque de movimientos de  imágenes para continuar con una ralentización de la sangre, y una mezcla de sonidos absorbentes.

A scanner Darkly

Películas como “A scanner darkly” permean y confirman el hipercine al que refiere G. Lipovetsky en “La pantalla global” donde las tecnologías retoman un poder como herramientas (más allá de extensión del hombre) y permiten crear lo que pareciera imposible.

La historia, basada en el texto de Philip K. Dick, el autor de ficción y clásicos como Blade Runner, Total Recall y Minority Report, que traslada a un mundo, donde Fred un adicto es contratado como agente de Seguridad y Control de Drogas, para espiar a sus amigos.

En un mundo donde la traición es el eje que da fuerza al sistema y donde la información privada ha desaparecido (gracias a un símil del gran hermano de Orwell), donde un ojo digital te vigila, la confianza desaparece y se deja de lado todo sentido inútil.

La estructura narrativa de la obra es en sí misma complicada porque se basa en desengaños y descubrimientos que a lo largo de toda cinta se van desenvolviendo causando sorpresa y manteniendo el interés del espectador.

El mundo de los adictos y el mundo de futuro caen generalmente en el cliché el primero de lo alucinante y moralista o divertido (según sea la intensión) y el segundo en lo utópico y lo distópico, pero para esta cinta, Linklater tenía dos objetivos, transmitir los elementos del texto que estaba citando y en segunda no caer en esos clichés, ¿cómo lograrlo?

En primer instancia se habla de un futuro distópico, donde el ojo vigilante está tras de ti, sin embargo, a diferencia de otras películas que satanizan a una máquina, en “A scanner darkly” se hace uso de escenarios comunes, calles, casa, caminos, que se pueden encontrar en un típico barrio estadounidense a estas fechas, dando como resultado un diseño de producción que dista mucho del de cualquier película de ciencia ficción.

Si en esto podemos encontrar un logro, no es nada comparado con el proceso de filmación. La película, literalmente, se hizo dos veces. En una se hizo una puesta en escena, rodando y componiendo la imagen con los animadores en mente; y en la otra se realizó un proyecto de animación, el film se realizó con el método de rotoscopiado, que se basa en dibujar sobre las imágenes reales ya grabadas.

Esa ficción que había sido ya filmada, se llevó más lejos aún creada por medio de un proceso de animación por ordenador de meses, diseñado para dibujar la realidad, no para imitarla. Gracias a software como Adobe Flayer que trabaja sobre fotogramas utilizando gráficos vectoriales el ordenador conecta líneas fluidas y pinceladas a través de una amplia gama de fotogramas para crear movimientos humanos realistas en una animación que pareciera se trata del dibujo de la persona.

El software permite a los animadores crear todo tipo de efectos tomando como origen una imagen plana, al estilo de acuarelas, pero además de esto a la película se le agrego la ventaja de la iluminación y la calidad de colores tomados dela realidad para llevarlos al extremo y digitalizarlos tratándolos técnicamente para dar énfasis en ellos.

Por último en cuanto a su musicalización, todo el soundtrack estuvo a cargo de “Golden Arm Trio” que como lo intentaran hacer en su momento “Los Concorde” en México, se trata de un colectivo estadounidense cuyo único miembro permanente es Graham Reynolds, donde a manera de “jam session” se compone y crean canciones en su mayoría sin letra y con marcadas percusiones.

Ficha técnica:

Dirección: Richard Linklater.

País: USA.

Año: 2006.

Duración: 100 min.

Género: Drama, ciencia-ficción.

Interpretación: Keanu Reeves (Bob Arctor), Robert Downey Jr. (Jim Barris), Woody Harrelson (Ernie Luckman), Wynona Ryder (Donna Hawthorne), Rory Cochrane (Charles Freck).

Guión: Richard Linklater; basado en la novela de Philip K. Dick.

Producción: Anne Walker-McBay, Tommy Pallotta, Palmer West, Jonah Smith y Erwin Stoff.

Música: Graham Reynolds.

Fotografía: Shane F. Kelly.

Montaje: Sandra Adair.

Diseño de producción: Bruce Curtis.

Vestuario: Kari Perkins.

Estreno en USA: 28 Julio 2006.

Estreno en España: 20 Octubre 2006.

Waltz whit Bashir

El documental como género tiene su principal característica en las escenas no ficcionales, sin embargo, películas como “Borat” (2006) o la “Marcha de los pingüinos” (2005) rompen con este esquema. El primero por tratarse de un guión argumentativo falso y el segundo por parecerlo al humanizar a uno de los pingüinos dándole el papel de narrador.

Así como estos son hitos para el análisis de documentales en 2009 llega “Waltz with Bashir” que narra las memorias de la primera guerra con Líbano a principios de los 80 desde la experiencia de un hombre, quien además es el que dirige la cinta, Ari, quien mantiene una pesadilla con 26 perros sorprendiéndose al no recordar en sí nada de ese pasado suyo y teniendo que ir en busca de respuestas entrevistándose con viejos amigo y compañeros de vida que se encuentra en todo el mundo.

Hasta aquí pareciera se trata de una narrativa plana de cualquier película de guerra, pero “Waltz with Bashir” le apuesta no sólo a su contenido, sino a su forma ¿Por qué se trata de un cambio sustancial o mejor dicho formal en el género del documental?

Primero la cuestión del tiempo, si bien la información es contada linealmente hay que recordar que el personaje va en búsqueda de su pasado, por lo que la linealidad de la historia se pierde desde el principio, incluso él (Ari) le da un choque al tiempo al mezclar lo que en verdad pasa con sus recuerdos y más aún con sus sueños.

Segundo, sí, es la historia contada desde sus actores, pero en este recuento no todos tiene el mismo peso, no puede negarse la existencia de un protagonista, Ari, pues es él quien va por dirigiéndose en búsqueda de los demás personajes que conforman su pasado. Esta característica de la cinta justifica un poco que la cámara y sus movimientos se encuentren en función de seguirlo a él, en movimientos descriptivos que acompañan al personaje, aunque en algunos momentos haya giros dramáticos que sirvan más para definir relaciones espaciales o poner énfasis en las expresiones, sobre todo cuando un recuerdo comienza a nacer en las caras de los personajes.

Y tercero, último, y quizá más importante, por el hecho de su producción, si el documental se basa en la visualización de escenas reales ¿cómo un dibujo puede entenderse como tal?

Llevado al extremo de lo ficcional, se vale de una lejanía de la realidad para incidir en ella. “Waltz with Bashir”, es una animación en 2D que fue hecha con la técnica de la rotoscopia, quizá para que en un plano interpretativo fuera menos agresiva.

Las tendencias para el cine documental del siglo XXI deben entenderse ya a partir no sólo de su contenido sino de su forma y su creación, películas como “Ryan” (2004) o “Snak and drink” (2000),  y por su puesto “Waltz with Bashir” se entienden como textos plásticos digitalizados creados con sotfware como Adobe After Efeccts, donde las características como el color y el sonido son lo más importante.

Y de ejemplo el principio de esta cinta, la ciudad en llamas y la atmosfera saturada de colores cálidos, con cielos nocturnos anaranjados (como los de “Akira”), y una gestualidad exagerada como la del cine mudo, además claro, del juego de sombras que contextualiza la noche.

En cuanto a la música “This is not a love song”, cover a Sex Pistols y demás canciones de referencia ochentera, son mezcladas con la música de vals, clásica, que acompaña a la película de la misma manera absurda que lo hace lo onírico-surreal de los recuerdos de la guerra, con el cierre de imágenes crudas y esta vez sí, reales, las de la masacre de Sabra y Chatila, con grabaciones originales.

Ficha técnica

Título: Vals con Bashir

Dirección: Ari Folman

País: Francia, Estados Unidos, Alemania, Suiza, Israel, Finlandia, Australia, Bélgica

Año: 2008

Fecha de estreno: 20/02/2009

Duración: 90 min.

Género: Drama, Bélico, Animación, Biográfico

Reparto: Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Ari Folman, Dror Harazi, Yehezkel Lazarov, Mickey Leon, Ori Sivan, Zahava Solomon

Web: www.golem.es/valsconbashir

Productora: Arte France, Razor Film Produktion GmbH, Medienboard Berlin-Brandenburg, Bridgit Folman Film Gang, Hot Telecommunication, ITVS, Israel Film Fund, New Israeli Foundation for Cinema and Television, Noga Communication - Channel 8